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Artista Plástico.Practico una figuración que alude al entorno y nos recuerde paisajes, personajes y atmósferas. No una realidad mimética en la forma sino una realidad sentida emocionalmente.

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  • 12/11/15--09:28: COMENTARIO DE #ARTE
  • Hoy he leído una entrevista a Avelina Lésper en su blog y en el ABC COLOR de Paraguay. Avelina Lésper es una crítica de arte mejicana,  que habla contudentemente sobre de arte contemporáneo actual como fraude. Después de leerla he escrito un comentario, pero antes podéis leer la entrevista en el siguiente enlace:

    Avelina Lésper: «El arte contemporáneo es una farsa» 

    En esta entrevista Avelina es contundente, "La frivolidad es pretenciosa y fatua, y así es el arte contemporáneo VIP, vacío e inflado con dinero."

    COMENTARIO:

    Hoy he visto en la Fundación Mapfre de Barcelona, unos cuadros de Odilon Redon que me han parecido de gran actualidad a pesar de ser de 1900. Supongo que sus contemporáneos no tendrían la misma opinión que yo. En aquel tiempo pintaba Bouguerau unos cuadros mitológicos excepcionales, que si se comparaban con los que he visto de Redon podrían parecer estos últimos mera decoración. Afortunadamente han llegado hasta nuestros días, igual que llegaron tantos cuadros impresionistas o fauvistas que no tenían críticas favorables.
    Para el neo-capitalismo, el Arte Contemporáneo viene a ser como tener una maquina de hacer dinero. Una maquina les daría billetes falsos, sin valor difícil de colocar en el mercado. Mientras que el arte con la conveniencia de críticos, de historiadores, de los medios de difusión y casa de subastas, adquiere un valor, en muchos casos desmesurado, viniendo a ser un refugio del dinero. De esta manera crear dinero ya no es exclusiva de los banqueros.
    El comprador del arte "VIP" no es erudito, la forma y contenido artístico le traen sin cuidado. ¿Quien quiere guardar un tiburón en formol en su casa? El comprador solo esperará la oportunidad de volver a vender, después de exposiciones y críticas para revalorizar su inversión. Y más tarde la "pieza" acabará comprada por algún museo estatal para completar la colección de piezas "VIP", con dinero publico.

    Estamos en una sociedad tecnificada donde la ciencia en vez de abrir puertas al conocimiento sirve a unas corporaciones sin alma que desconfían de las humanidades. La intuición es un saber poderoso, y muchos de los adelantos científicos vienen precedidos de algún destello de la intuición. Las emociones, la música, la pintura llegan muy rápido a lo profundo de nuestro ser por estar emparentadas con la intuición.
    Nuestra cultura nos llega de forma hermética y altamente especializada y como consecuencia, cuanto más se especializa en realidades concretas, pierde la espectativa del todo.
    Me gustan las pinturas De Odilon Redon y de los fauvistas, creo que su mundo lo explican mediante lo simbólico, lo simplifica a lo esencial. Me gusta el academicismo de Bouguerau pero mis círculos además se amplían desde los primeros dibujos infantiles hasta algunas performances de Joseph Beuys, pasando por los maestros renacentistas y tantos y tantos otros.

    Estamos en un mundo al revés, valoremos, seamos intuitivos, démosle la vuelta.
    JCuenca.

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  • 12/19/15--10:34: FELICES FIESTAS
  • FELICES FIESTAS

    BON NADAL

    Y PRÓSPERO AÑO NUEVO


    JCcuenca.

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  • 12/22/15--10:40: COLORES DE GIRONA

































  • Fotografías JCuenca.

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  • 01/01/16--13:58: DIVERTIMENTOS EN 2015
  • Quiero comenzar el primer día del 2016, deseando  que sea un año muy feliz para todos y a la vez muy creativo en todos los campos del saber. En el arte, en la ciencia, en la economía y en tantos otros,  que nos permitan  adquirir una visión más amplias de todos los aspectos de la realidad.

    Este cuadro es de hace poco, pero ya es del año pasado, del 2015. Un acrílico en una tabla que me sirvió como paleta de pintura. De las manchas dejadas fueron sugiriendo árboles en una atmósfera difuminada. Notas de color emparentadas con la música que escuchaba en ese momento y un  proceso que me divirtió. 
    Me sirve como introducción a los comentarios que encontrareis a continuación, relacionados con los trabajos que realicé a lo largo del 2015. A modo de  recuento o balance creativo.

    DIVERTIMENTO 1. Acrílico tabla, 30x60x1 cm. Año 2015. JCuenca.

    Detalle

    Detalle.
    A lo largo de 2015 hice series sobre papel y que fui publicando en el blog. También pinturas sobre madera y lienzo en formatos pequeño y mediano.
    EL ÁRBOL DE LA CIENCIA Recoje estás obras junto con la serie de pinturas sobre lienzo de PAISAJES PRIMORDIALES.

    La fotografía es otra de mis pasiones y de vez en cuando, publico alguna entrada con la geografía que visito. Una de las últimas entradas era fotografías de la ciudad de Girona. 

    Otras veces son fotografías que me permiten construir un relato, en este caso un tema controvertido al que considero que no se le presta la atención que debiera. El cielo surcado por líneas que se cruzan dejadas por los aviones, alteran el paisaje.  Las nubes naturales son bellas, los cirros artificiales formados por la expansión de las estelas persistentes,  desde mi punto de vista es una agresión a la luz natural. Igual que existe una contaminación acústica nefasta para la salud, y una contaminación  lumínica que no nos deja ver las estrellas.  Las estelas es otra contaminación que difumina la luz natural. Quizás algunos pensáis que exagero, por eso hice un reportaje mostrando esas fotos de cielos blanquinosos. 

    Uno de los medios de transporte más recurrentes es el avión y me parece perfecto. Según los físicos y metereólogos los aviones desprenden vapor de agua que al condensarse forman esas líneas que se ven, "contrails". No siempre se producen porque depende de las condiciones meteorológicas y desaparecen al poco tiempo. Pero los "Chemtrails" son esas estelas persistentes, que se ensanchan y forman cirros que emblaquecen el cielo y por lo tanto tienen un origen que debería ser investigado.
    Para no investigar el tema que probablemente esté relacionado con  geoingeniería, se le pone la etiqueta de conspiranoico y aquí acaba la discusión.
    Pero tenemos ojos y cámaras de fotos e información en internet.

    La fotografía sobre arte urbano, también forman parte de las entradas del blog. Como forma de retener esa memoria efímera en las paredes de la ciudad. 

    También realicé a lo largo del año dos exposiciones colectivas, donde mostré algunos de mis trabajos.

    Les agradezco la visita a este blog y espero seguir aportando nuevos trabajos.

    JCuenca


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  • 01/11/16--09:03: GRAFÍA Y COLOR 6
  • GRAFÍA Y COLOR 6. Acrílico papel. 50x70 cm. Año 2015. JCuenca.

    Detalle.

    Detalle.


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  • 01/16/16--07:48: GRAFÍA Y COLOR 5
  • GRAFÍA Y COLOR 5. Acrílico papel. 50x70cm. Año 2015. JCuenca.

    Detalle.

    Detalle.


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  • 01/25/16--06:27: GRAFÍA Y COLOR 4
  • GRAFÍA Y COLOR 4. Acrílico papel. 50x70 cm. Año 2015. JCuenca
    GRAFÍA Y COLOR 4.

    Detalle.

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  • 01/30/16--09:19: GRAFÍA Y COLOR 3
  • GRAFÍA Y COLOR 3. Acrílico papel. 50x70 cm. Año 2015. JCuenca.
    GRAFÍA Y COLOR.
    Detalle.


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  • 02/04/16--11:47: GRAFÍA Y COLOR 2.
  • GRAFÍA Y COLOR 2. Acrílico papel. 50x70 cm. Año 2015. JCuenca


    GRAFÍA Y COLOR 2.

    Detalle.

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  • 02/09/16--02:55: GRAFÍA Y COLOR 1
  • GRAFÍA Y COLOR 1. Acrílico papel. 50x70 cm. Año 2015. JCuenca.

    GRAFÍA Y COLOR 1.  JCuenca.

    Detalle.


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  • 02/13/16--13:25: "EL PESO DE UN GESTO"
  • Les traigo un recorrido visual, mediante unas cuantas fotografías de la exposición inaugurada recientemente en Caixa Forum de Barcelona.

    EL PESO DE UN GESTO es una  selección de piezas de las colecciones Fundació la Caixa, el Macba y Gulbenkian, a  cargo, no de un comisario como es habitual, sino del artista Julião Sarmento. A lo largo de su carrera ha utilizado diferentes lenguajes que van de lo abstracto a lo conceptual, pasando por el cine experimental y las instalaciones. 


    Su búsqueda para presentarnos esta exposición, ha sido entre las  miles de piezas de los fondos que poseen estas instituciones. No se ha basado en cronologías, temáticas o estilos sino en su libertad y sensibilidad como creador, huyendo de los grandes discursos. La muestra reune,  dibujos, pinturas, fotografías, vídeos o instalaciones, que nos vamos encontrando en el recorrido de las salas, muchas veces presentadas de forma dual, atendiendo a sus contrastes. Valga como ejemplos la pieza de Juan Muñoz y la pintura de Degas donde se inicia la exposición o el muro de madera de Carl Andre y el mueble o la huella del mueble dejada en la pared de  Ignasi Aballí.  


    El espectador se irá encontrando ante una complejidad de matices y significados que emanan de las obras. Les propongo que primero, miren y vean y luego siempre será interesante acudir a una audioguía para entender ciertas piezas.  Por ejemplo hay una que es un volumen  compacto, rectangular con un trozo de tablero y con cuatro orificios cuadrados que se ven desde la parte superior. La audioguía nos informa sobre la pieza, y descubrimos que las cuatro patas de una mesa se podrían introducir por esos orificios. Lo que estamos viendo es el espacio  donde se asienta la mesa. Lo que envuelve la mesa se ha  hecho visible.  
    Ante el enorme  tríptico de Sigmar Polke, visualmente impactante por sus dimensiones, nos desvelará la importancia que tiene el proceso y el azar en la ejecución de la pieza.  Continuaremos viendo obras de otros autores como, Richard Serra, Miroslaw Balka, Rodney Graham, Gerhard Richter, Robert Rauschenberg, Rita McBride, Robert Morris, Rachel Whiteread, Giuseppe Penone, Robert Gobert, Francis Alÿs, Philip Gusto, así como algunos artistas portugueses.

    Son numerosos y variados los autores elegidos por Julião Sarmento, con muchas obras que hemos ido viendo.   Sin duda algunas nos harán disfrutar, pensar y sentir, pero otras nos harán cuestionar si  lo que vemos es arte, pese a formar  parte de colecciones tan prestigiosas.


    La exposición estará desde el 11 de febrero hasta el 1 de mayo de 2016.
    Lugar: Av. Francesc Ferrer i Guàrdia, 6-8, 08038 Barcelona.
    Más información La mirada de Julião Sarmento a las Colecciones CAM, MACBA, "la Caixa"

    Comentario y fotografías JCuenca.


    Juan Muñoz. TIERRA BALDÍA. Linóleo, madera y bronce.



    Sigmar Polke. TRÍPTICO. Pintura y laca sobre tela.



    TRÍPTICO. Detalle.

    Eduarddo Batarda. NÉCTAR. Acrílico sobre tela.


    Giuseppe Penone. PIEL DE CEDRO. Cuero y oro.

    Fernando Calhau. SIN FINAL. Lámpara de neón aplicaada sobre chapa de hierro.




    SIN FINAL. Detalle.


    Augusto Alves da Silva. 272BG. Impresión cromogénica sobre Diasec.

    Richard Serra. CROSBY. Pintura oleosa sobre papel.

    Carl Andre.

    Francis Alÿs (Serie EL MENTIROSO, la copia del mentiroso). Óleo sobre tela/Esmalte sobre plancha de metal y maderaFotografía/Lápiz y óleo sobre papel del calcar.








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  • 02/26/16--08:09: ESBOZOS


  • En mi visita reciente a  Madrid visité el Prado, he hice espontáneamente algún apunte, sugerido por la obra que contemplaba:

    Wan der Weyden 1399-1464, inventó  la alta definición hace más de 600 años.
    Patinir hizo cuadros que parecen recién pintados, mostrando amplios horizontes, nubes y fenómenos atmosféricos.
    El Bosco nos convence que otros mundos son posibles.
    Fra Angélico pinta luz espiritual. Se percibe con los ojos, pero también es música para los sentidos. Delicatessen.
    La nueva adquisición del Prado la Virgen de la granada de Fra Angélico, un bombón muy dulce.
    Gioconda del Prado, prima de la del Louvre, envejece mejor.
    Las mesas del Prado de piedra dura, con  lapislázuli y ágata, para hacer un aperitivo de caviar.
    Velazquez, la abstracción en los vestidos de las meninas. El cuadro "Las meninas" un portal hacia otra dimensión. Los caballos de Velázquez un pretexto para hacernos mirar el cielo.
    Felipe IV igual que Felipe VI pero mas feo. La fragua de Vulcano torsos moldeados por el trabajo.  El triunfo de Baco,  la expresión de la arruga.

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  • 02/28/16--13:07: ART MADRID´16
  • ART MADRID´16
    Les propongo un paseo mediante esta galería de fotografías por la feria de Art Madrid´16. Se ha celebrado entre el 24 y el 28 de Febrero, en la Galería de Cristal. Palacio de Cibeles.




























    En este enlace GALERÍAS PARTICIPANTES

    Fotografías JCuenca.

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    SIN TÍTULO. La Colección Telefónica como nunca se ha visto.


    Dentro de una inmensa colección de arte, como es la de Fundación Telefónica, mostrar parte de sus fondos ha venido siendo cosa de expertos, pero esta vez se pensó en un grupo de niños de entre 10 y 12 años pertenecientes a dos colegios de Madrid, para que fueran los principales protagonistas en la selección de piezas.  De un listado previo de 100 obras eligieron las que más les atraían e indagaron sobre los autores. Contaron  durante todo el proceso con la ayuda de  dos consultoras especializadas en pedagogía y con la opinión de expertos en arte y en educación.

    La muestra se divide en varias temáticas  como por ejemplo CARAS,  MATERIALES, MISTERIO,  FORMA Y COLOR.

    CARAS.
    Aquí encontramos obras de autores pertenecientes a vanguardias históricas conviviendo con propuestas más recientes.

    Juan Muñoz. CHINO FROTÁNDOSE LAS MANOS. Resina de poliester. 1995.

    René Magritte. LA BELLE SOCIÉTÉ. Óleo sobre lienzo. 1965-1966.

    Auguste Herbin. PORTRAID DE MADAME H... Óleo sobre lienzo. 1912.

    Antonio Saura. CABALLERO. Técnica mixta sobre papel. 1993.

    Pablo Picasso. LE PEINTRE OU TRAVAIL. Gouache y tinta china sobre papel. 1964.

    Vistas de las salas con Picasso, Chillida y Tàpies.



     MATERIALES.
    Es otra de las temáticas. El Acero, hierro, madera, o alabastro son  materiales que llamaron la atención de los niños en obras matéricas de Tàpies o en las esculturas de Chillida, pero también el color y las texturas de los paisajes de Ortega Muñoz.

    Antoni Tàpies. ASSEMBLAGE AMB GRAFFITI. Técnica mixta. 1972.

    Eduardo Chillida. YUNQUE DE SUEÑOS XIII. Hierro y madera. 1953-1954.

    Eduardo Chillida. LA CASA DE J. S. BACH. Detalle.

    Eduardo Chillida. LA CASA DE J. S. BACH. Acero corten. 1980.

    Godofredo Ortega Muñoz. TIERRAS Y PAREDES. Óleo sobre lienzo. 1966.

    Eduardo Chillida y al fondo Antoni Tàpies. GRAN VERNÍS SOBRE FUSTA. 1982.

    Eduardo Chillida. HOMENAJE A LA MAR III. Alabastro. 1984.

    Eduardo Chillida. HOMENAJE A LA MAR III. Detalle.



      MISTERIO
     Estas obras por su contenido despertó la imaginación de los niños.


    Antoni Tàpies. L´ESCALA. Técnica mixta sobre madera. 1974.

    Antoni Tàpies. L´ ESCALA. Detalle.

    Paul Delvaux. L´APPEL Óleo sobre lienzo. 1944.

    Vista de la sala con obra de Eduardo Úrculo y Joan Fontcuberta

    Eduardo Úrculo. De la serie ESCENOGRAFÍAS DE LO PERSONAL. Técnica mixta. 1988.

    Sam Taylor-Wood. SOLILOQUY I. Fotografía color de revelado cromógeno. 1998.



     COLOR Y FORMA.
     Estas obras  destacan por su color o por su geometría.


    Antoni Tàpies. BLAU I DUES CREUS. Técnica mixta sobre tela. 1980.

    André Lhote. LE POT ROUGE. Óleo sobre lienzo. 1917.
    Eugenio Granell y a la derecha Luis Feito.


    Eduardo Chillida. TOPOS II. Acero corten. 1985.





    Los niños pertenecían al Colegio Blanca de Castilla y Colegio Público Francisco de Quevedo de Madrid.
    La exposición estará hasta el 24 de abril de 2016.
    Espacio Fundación telefónica. C/Fuencarral 3, Madrid.
    De martes a domingo de 10.00 a 20.00 h.
    Entrada libre.

    Comentario y fotografías. JCuenca.

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    IMPRESIONISTAS Y MODERNOS es la exposición que se puede ver en Caixa Forum Barcelona, formada por la selección de 60 obras procedentes de la PHILLIPS COLLECTION.

    Duncan Phillips fue un apasionado del arte,  que reunio una colección  de prtestigio mundial, que muestra la evolución de la pintura moderna desde el siglo XIX hasta la segunda mitad del siglo XX. 

    La muestra en Caixa Forum, se articula en torno a un recorrido,  clasificado en seis apartados. En primer lugar CLASICISMO ROMANTICISMO Y REALISMO.  En segundo lugar  IMPRESIONISMO Y POSTIMPRESIONISMO. En tercer lugar PARÍS Y EL CUBISMO. En cuarto lugar INTIMISMO Y ARTE MODERNO. En quinto  NATURALEZA Y EXPRESIONISMO y en sexto lugar EXPRESIONISMO ABSTRACTO
    En cada ámbito encontramos  a los artistas que representan esos movimientos, pudiendo establecer conexiones visuales entre obras que difieren estilísticamente.
    Nombre como Ingres, Delacroix, Corot, Van gogh, Degas, Picasso, Matisse, Kandinsky, Staël y Rothko entre otros conforman este itinerario de gran atractivo.  
    Del óleo de LA PEQUEÑA BAÑISTA de Ingres, al acrílico SIN TÍTULO de Rothko han pasado casi siglo y medio y las pinturas reflejan  esa transición, con cambios estilísticos y de concepto.  

    La Phillips Collection este año celebra su 95 aniversario.


    1 CLASICISMO ROMANTICISMO Y REALISMO

    Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). LA PEQUEÑA BAÑISTA. Óleo sobre lienzo 1826.

    Pierre Puvis de Chavannes (1824-1898).  LA PRENSA DE VINO. Óleo sobre lienzo. 1865.

    Honoré Daumier (1808-1879). EL LEVANTAMIENTO. Óleo sobre lienzo. 1848 o posterior.

    Eugène Delacroix (1798-1863).  CABALLOS SALIENDO DEL MAR. Óleo sobre lienzo. 1860.

    Gustave Courbet (1819-1877).  EL MEDITERRÁNEO. Óleo sobre lienzo. 1857.

    Camille Corot (1796-1875).  GENZANO. Óleo sobre lienzo. 1843.

    Odilon Redon (1840-1916). MISTERIO. Óleo sobre tela. 1910.

    Berthe Morisot (1841-1895). DOS MUCHACHAS. Óleo sobre lienzo. 1894.


    2 IMPRESIONISMO Y POSTIMPRESIONISMO


    Adolphe Monticelli (1824-1886). RAMO DE FLORES. Óleo sobre tabla. !875

    RAMO DE FLORES. Detalle.

    Vicent Van Gogh (1853-1890). CASA EN AUVERS. 1890. Óleo sobre tela. 1890.

    CASA EN AUVERS. Detalle.

    Edgar Degas (1834-!917). BAILARINAS EN LA BARRA. Óleo sobre lienzo. 1900.

    BAILARINAS EN LA BARRA. Detalle.

    3 PARÍS Y EL CUBISMO

    Pablo Picasso (1881-1973). LA HABITACIÓN AZUL. óleo sobre lienzo. 1901.

    Pablo Picasso (1881-1973). MUJER CON SOMBRERO VERDE. Óleo sobre lienzo. 1939.

    MUJER CON SOMBRERO VERDE. Detalle.

    Amadeo Modigliani (1884-1920). ELENA POVOLOZKY. Óleo sobre lienzo. 1917.

    ELENA POVOLOZKY. Detalle.

    Georges Braque (1882-1963). NATURALEZA MUERTA CON UVAS Y CLARINETE. Óleo sobre lienzo. 1927.

    NATURALEZA MUERTA CON UVAS Y CLARINETE. Detalle.


    4 INTIMISMO Y ARTE MODERNO


    Giorgio Morandi (1890-1964). BODEGÓN. Óleo sobre lienzo. 1950

    BODEGÓN. Detalle.

    Georges Braque (1882-1963). Óleo sobre lienzo. 1952.

    Pierre Bonnard (1867-1947). LA AMAZONA DEL CIRCO. Óleo sobre tabla. 1894.

    Henri Matisse (1869-1954). INTERIOR CON CORTINA EGIPCIA. Óleo sobre lienzo. 1948.

    INTERIOR CON CORTINA EGIPCIA. Detalle.


    5 NATURALEZA Y EXPRESIONISMO



    Wassily Kandinsky (1866-1944). OTOÑO II. Óleo sobre lienzo. 1912.

    Oskar Kokoschka (1886-1980).  COURMAYEUR Y LAS CUMBRES DE LOS GIGANTES. Óleo sobre lienzo. 1927.


    6 EXPRESIONISMO ABSTRACTO



    Richard Diebenkorn (1922-1993). BERKELEY NUM. 1.  Óleo sobre lienzo. 1953.

    Nicolas de Staël (1914-1955). FUGA. Óleo sobre tela. 1951-1952.

    FUGA. Detalle.

    Adolph Gottlieb (1903-1974) EQUINOCCIO. Óleo sobre lienzo. 1963.

    EQUINOCIO. Detalle.

    Mark Rothko (1903-1970). SIN TÍTULO. Acrílico sobre papel montado en tablex. 1968.

    SIN TÍTULO. Detalle.


    IMPRESIONISTAS Y MODERNOS estará del 11 de marzo al 19 de junio de 2016.
    Para saber más en los siguientes enlaces:

    EL COLECCIONISTA EXQUISITO

    La pasión de Duncan Phillips

    CAIXA FORUM.  IMPRESIONISTAS Y MODERNOS

    Comentario y fotografías JCuenca.

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    Una mirada por la exposición MIRÓ Y EL OBJETO EN CAIXA FORUM MADRID. Organizada por la "Caixa"  y  la Fundación Joan Miró de Barcelona y comisariada por Willian Jeffett.  

    Se articula en seis ámbitos:

     1º  Un mundo de objetos.    
    2º  El asesinato de la pintura.     
    3º  Del collage a la escultura.     
    4º  Cerámica y primeras esculturas.  
    5º  Escultura en bronce.  
    6º  Antipintura.

    Es una muestra monográfica dedicada al objeto en la producción de Joan Miró.

    La exposición contiene paneles informativos, para entender sus planteamientos, pero en esta entrada  muestro unas cuantas fotografías de su obra tan característica,  y pretendo que sea sobre todo visual y disfrutemos de sus formas, color y materiales.

    Caixa Forum Madrid.

    NATURALEZA MUERTA II.  (La lámpara de carburo). Óleo sobre tela. 1923. The Museum of Modern Art, Nueva York.

    PERSONAJE (CON PARAGUAS) c. 1931. Réplica de 1973. Escultura-objeto. Madera, hojas secas y paraguas. Fundació Joan Miró. Barcelona.

    PINTURA. Óleo sobre tela. 1933. Colección particular.

    PINTURA. Detalle.

    METAMORFOSIS. Lápiz, tinta china, calcamonía y acuarela sobre papel. 1936. Colección Dolores Álvarez de Toledo. París.

    Vista desde una de las salas.





     Bronce pintado.



     
    MUJER. Bronce. Izquierda 1966. Derecha 1970. Fundació Joan Miró. Barcelona.














    MIRÓ Y EL OBJETO
    Del 10 de febreo al 22 de mayo de 2016.


    Comentario y fotografías JCuenca.

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  • 04/01/16--08:50: PRIMORDIALES

  • PRIMORDIALES es una  serie de cuadros emparentados con PAISAJES PRIMORDIALES. Juego con el azar, para que las pinceladas, las transparencias, el color y las manchas revelen nuevas formas, de las que surgirá la composición. La intuición tiene un papel activo en el proceso. En las series anteriores siempre había algún elemento que las orientaba hacia una cierta figuración. En ésta, mi propósito es la abstracción. Reivindico la pintura, pintura sin el referente de la figura. Busco al contemplar la pintura percibir una atmósfera, una armonía, semejante a un acorde musical. Ésta sería la primera impresión. La siguientes impresiones se derivarían de recorrer con la vista los detalles, las líneas, los raspados, las, pinceladas, las transparencias, el color... Sería experimentar un placer que conocen los amantes de la pintura.
    La serie de cuadros PRIMORDIAL se compone de 5 pinturas que muestro en este post.

    PRIMORDIAL 1. Acrílico lienzo. 46x65 cm, Año 2015. JCuenca.
    PRIMORDIAL 1. Acrílico lienzo. 46x65 cm, Año 2015. JCuenca.

    Detalle.
    En el taller.





    PRIMORDIAL 2. Acrílico lienzo. 46x65 cm, Año 2015. JCuenca.



    PRIMORDIAL 2. Acrílico lienzo. 46x65 cm, Año 2015. JCuenca.

    Detalle.

    En el taller.



    PRIMORDIAL 3. Acrílico lienzo. 46x65 cm, Año 2015. JCuenca.

    PRIMORDIAL 3. Detalle.

    En el taller.




    PRIMORDIAL 4. Acrílico lienzo. 46x65 cm, Año 2015. JCuenca.


    Detalle.

    En el taller.




    PRIMORDIAL 5. Acrílico lienzo. 60x81 cm. Año 2015. JCuenca.


    Detalle.

    PRIMORDIAL 5.

    PRIMORDIALES  pertenece a una serie de cuadros emparentados con EL ÁRBOL DE LA CIENCIA Y PAISAJES PRIMORDIALES.

    Comentario y Fotografias JCuenca.


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  • 04/08/16--03:49: LA PRIMAVERA DE ARCIMBOLDO
  • Arcimboldo pintó esta PRIMAVERA en 1563. Una alegoría imperial que el artista junto con el poeta de la corte, Fonteo, presentan a Maximiliano II. Es el único cuadro de este artista que hay en España y que podemos ver en la Real Academia de Bellas Artes de Madrid. Los elementos típicos de esta estación como las amapolas, margaritas, rosas, lirios, peonías, pensamientos o azucenas forman un entramado manierista que pone rostro a esta estación.


    Giuseppe Arcimboldo.  LA PRIMAVERA. Detalle. 

    Giuseppe Arcimboldo.  LA PRIMAVERA. Óleo sobre tabla. 66x50 cm. Año 1563.
    En la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Madrid.

    Comentario fotografías JCuenca.


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    Os presento la entrevista, con algunas fotografías de mis obras, que ha publicado ARTELISTA. La he recogido en mi blog,  y he añadido algunas fotos más del espacio en el que me muevo cuando pinto: EN MI TALLER.




    Un Posted By  on Abr 14, 2016 | Publicado en Artelista. 
    Mi nombre es Jesús Cuenca y nací en un pueblo de Cuenca. Mis padres vinieron a Barcelona en 1963, yo tenía 11 años.  La primera alegría al venir a Barcelona era que había quioscos y, por lo tanto, tebeos que tanto me gustaban. La segunda era que la ciudad tenía mar y nunca antes lo había visto.
    Mi padre tenía un taller de carpintería y yo le ayudaba en numerosas ocasiones. El contacto con la madera y las herramientas que servían para trabajarla me eran familiares, ya en el pueblo siempre estaba haciéndome espadas, arcos o cualquier artilugio.
    En Barcelona comencé el nuevo colegio y encontré a mis primeros compañeros con afinidades similares a las mías:  astronomía,  música,  excursiones por la montaña, fotografía y  pintura. Comencé a trabajar muy pronto a los 18 años en el Hospital del Vall d’Hebrón, pero por las tardes seguía ayudando en el taller y después hacía bachillerato nocturno. En aquel tiempo se hacía el servicio militar y me tocó aquí en Catalunya. Después vinieron años de trabajo, estudio y pintura, que practicaba esporádicamente. A pesar de mis ocupaciones, encontré tiempo para casarme e independizarme.
    El templo multicolor 2, Jesús Cuenca.
    El templo multicolor 2, Jesús Cuenca.
    Uno de mis objetivos era estudiar arte en la “Escola Massana” y lo hice conciliando con  mi trabajo “fijo” en el hospital. Lo vi como una necesidad puesto que me había iniciado en el arte de forma autodidacta y La Massana era como una puerta hacia un conocimiento más profundo de la pintura. Cuando terminé los estudios de Artes aplicadas, especialidad en pintura, participé en algunos certámenes de arte, siendo seleccionado en alguno de ellos.
    Tuve un dilema entre pintar por las tardes o seguir estudiando arte, esta vez en la universidad. Me decidí por hacer Bellas Artes ya con 38 años. Me licencié especializándome en restauración, puesto que en pintura consideré que ya sabía suficiente. Pensé que con ese currículo se me abrirían puertas, pero en las galerías que exploré ya tenían sus artistas y esos artistas o ya habían estado en New York o tenían plena dedicación a la pintura.
    Igual que hay un fútbol de primera división, también hay de segunda y tercera, pongo este símil futbolístico porque muchos artistas nos movemos haciendo un juego aceptable en segunda división. Hice muchas exposiciones colectivas y alguna exposición individual en lugares no convencionales, que resulta que ahora sí lo son, como en un hospital, una embajada o un hotel. También en una sala de arte en la costa.


    Internet también ha sido una puerta para hacer visibles los trabajos, hice un par de blogs que sigo actualizando, además de estar en Artelista, en Twitter, etc. Ahora dispongo de mucho más tiempo y me dedico a pintar con regularidad.
    ¿Cuándo y por qué empezaste a pintar?
    Empecé a pintar muy pronto. En el pueblo con 8 0 9 años, un profesor que sabía de mi afición me dejaba los últimos 20 minutos de clase para hacer dibujos que luego se quedaba. Recuerdo de todos ellos un Don Quijote a caballo muy bueno y un Jesucristo en la cruz que me salió bastante deforme. Continué haciendo reproducciones de los dibujos que me gustaban o de los héroes de los tebeos que leía, el Jabato, el Capitán Trueno en casa o en Madrid cuando visitaba a mi tía, dibujaba en cualquier momento.
    Ya en Barcelona, en el taller, una madera me sirvió de soporte para mi primera pintura y en ella apliqué tierra, pigmentos y cola de carpintero. Recuerdo que era un río entre montañas y mediría unos 80 x 60 cm. Para 12 0 13 años que tenía me pareció un formato grande comparado con los dibujos en papel.
    Primordial 1, Jesús Cuenca.
    Primordial 1, Jesús Cuenca.
    Esos fueron mis primeros inicios y continué haciendo dibujos, acuarelas y pinturas. El tiempo que empleaba en ello era especial para mi, todo era momento presente, todo lo que acontecía a mi alrededor estaba en un segundo plano. Pintar sobre papel, lienzo o madera me proporcionaba gran satisfacción. Además el proceso de crear es una experiencia de autoconocimiento.
    ¿Cómo crees que deben ayudarse una galería y sus artistas?
    El papel de la galerías ha sido el de hacer exposiciones para la promoción de sus artistas. Soledad Lorenzo importante galerista ya retirada decía que el galerista es “un puente entre el arte y la sociedad” y que  “En el arte no hay verdades, hay emoción”.
    Las galerías se han abierto a las últimas tendencias, pero estos últimos años se han cerrado muchas debido a la crisis, pero creo que también se debe a que muchas galerías han apostado por un arte donde la pintura y la emoción, han sido desplazadas a un segundo término, prevaleciendo lo racional y lo hermético. De esta manera ha habido un distanciamiento con el público y las salas se han ido vaciando de espectadores.
    Amanecer 2, Jesús Cuenca.
    Amanecer 2, Jesús Cuenca.
    Creo que sería interesante recuperar el retorno del público a las galerías y que disfrutaran con las nuevas creaciones. Que los colegios programaran visitas a las galerías con sus alumnos, que se enseñara a ver. Que las universidades potenciaran las humanidades en vez de eliminarlas. Que en la galería además de las obras, hubiera vídeos del artista donde mostrara el proceso creativo. El artista también puede ayudar a la galería, siendo divulgador de su obra en los medios.
    ¿Qué consejo darías a aquellos artistas que empiezan a mostrar su obra?
    Las obras se hacen para que se puedan ver y para ello debe haber locales, bares, salas de exposiciones y centros culturales, para mostrar los trabajos. Esto supone un contacto directo del público con la obra, que es como mejor se aprecia su factura, y no me refiero al precio sino al modo de estar hecha. Hay otros medios como Internet con multitud de portales para mostrarla. Contra más activos sean más los irán conociendo. Yo les aconsejaría que seleccionen lo que consideren mejor y lo muestren, pero que no se obsesionen con exponer.  Es importante tener regularidad y no deben olvidar que ellos son sus mejores promotores.
    ¿Cómo vendiste tu primera obra? ¿Hay alguna con la que sientas una mayor conexión?
    Una señora clienta del taller de carpintería de mi padre, que conocía mi afición por la pintura, me encargó que le pintara dos cuadros que evocaran a su tierra, Andalucía. Un paisaje y una plaza con una fuente. Experimenté con polvo de mármol, gouache y acrílico y esas fueron mis dos primeras ventas hace ya mucho tiempo, yo tendría unos 20 años.
    Siempre entre las obras hay alguna que sientes más atracción, podría citar Maggiore, Libro con luz, Costa Azul 2, Cisne y nebulosa y algunas más, entre ellas las dos últimas que me han comprado Julio 9 y Julio 10.
    Cisne y nebulosa, Jesús Cuenca
    Cisne y nebulosa, Jesús Cuenca.
    ¿Qué es el arte para ti? ¿Qué papel juega en tu vida? ¿Vives del arte?
    Para mi, el arte es una forma de expresar sentimientos interiores u otro tipo de saberes inconscientes que se van acumulando con nuestra experiencia. El arte es diversidad, un caleidoscopio que muestra las muchas caras de las que se compone la realidad y nos ayuda a entender el mundo. Por tanto, sirve para ampliar nuestro concepto de la realidad. Para mi el arte, no se limita a la contemplación de obras en un museo o una galería. Hay arte en todas partes, en la desconchadura de una pared, en las nubes blancas de un cielo azul, en una puerta pintada, en las ramas de un árbol, en la ola que rompe contra una roca, en un campo labrado. Así que podemos disfrutar de experiencias estéticas en cualquier momento y por nosotros mismos. Nos intentan deslumbrar cuando nos dicen que en una subasta, una obra se ha vendido por millones de euros, dando a entender que si tiene un precio tan alto es porque es muy buena. El arte como muchas cosas, lo utilizan para crear tendencias y manipular nuestro criterio.
    El arte ha jugado un papel importante en mi vida, porque aparte del goce estético de crear, viene a ser como una terapia que te permite desconectar de una especie de pensamiento único que se va imponiendo. Parece que como vestimos diferente y tenemos aficiones diversas gozamos de un mundo multicultural. Estamos lejos de eso, las consignas de los medios nos hacen creer que tenemos criterio propio, cuando en realidad solo estamos repitiendo lo que dicen esos medios.
    Paisaje inundado de árboles, Jesús Cuenca.
    Paisaje inundado de árboles, Jesús Cuenca.
    En el mundo del arte ha habido personalidades revolucionarias, artistas olvidados con biografías inmensas, que esos que tienen los hilos del poder no han valorado ni sabrán valorar. El otro día caminando vi una frase en una pared que decía “El artista es el ingeniero del alma”; a eso aspiro.
    En cuanto a si vivo del arte,  me hubiera gustado que hubiera sido así. Los ingresos eran principalmente, del trabajo de personal estatutario en el hospital público. Pero esto me daba libertad para buscar y experimentar en diferentes géneros.
    ¿Cuáles son tus fuentes de inspiración? ¿Te identificas con algún otro artista?
    Me apasiona la pintura clásica siendo mis maestros espirituales Da Vinci, el Bosco, Velázquez, Corot o Patinir. Cuando viajaba a Cuenca visitaba el museo de Arte Abstracto y me gustaba la abstracción de Zobel, Canogar, Millares y la gestualidad de Saura. Admiraba a pintores extranjeros como Twombly, Kirkeby, Schnabel, Staël y un largo etcétera. En los años 80 aquí en Barcelona, era un asiduo visitante de galerías para ver sus pinturas. En la calle Consell de Cent se concentraban unas cuantas y vi obras de Tapies, Ràfols-Casamada, Barceló,  Sicilia, Hernández Pijuan… y muchos más.  Así que las influencias son variadas pero principalmente se deben a artistas catalanes.
    Cipreses II, Jesús Cuenca.
    Cipreses II, Jesús Cuenca.
    Ver pintura me estimula a pintar siendo la naturaleza mi fuente de inspiración. En el aspecto formal no la imito -la mímesis no es para mi-, la siento, y me pongo en sintonía con Aristóteles cuando dijo “la finalidad del arte es dar cuerpo a la esencia secreta de las cosas, no el copiar su apariencia”.
    ¿Qué tiene tu proceso creativo que lo haga especial?
    Mis pinturas suelen comenzar a partir de una mancha o de un trazo que, jugando con el azar dibuja formas cargadas de sorpresas, de esta manera se inicia un diálogo entre lo casual y lo determinado por mi hasta configurar una obra que tiene conexiones a nivel formal con el paisaje.
    El  proceso  tiene que ver con la experimentación, la  búsqueda y la observación.
    La experimentación que me satisface es comprobar la interacción de los colores, cómo se relacionan unos con otros. Ver cómo la transparencia u opacidad del color (junto con la materia y el gesto de las pinceladas) van configurando una realidad próxima, reconocible e impregnada de subjetividad.
    Río hacia el mar, Jesús Cuenca.
    Río hacia el mar, Jesús Cuenca.
    La Búsqueda. Busco una figuración que aluda al entorno y nos recuerde paisajes, personajes, objetos y atmósferas. No una realidad mimética en la forma, sino una realidad sentida emocionalmente.
    El proceso de esta creación me aporta conocimiento, puesto que se basa en la observación de los elementos y su entorno, en el paso del tiempo y en las variaciones que se observan.
    El resultado son pinturas con un predominio de la figuración expresionista, que se deslizan hacia la abstracción en soportes de variados formatos. Siendo la pintura acrílica uno de mis materiales más recurrentes.
    ¿Has realizado alguna exposición últimamente, qué puedes contarnos? ¿Tienes algún proyecto en mente?
    Este último año he realizado dos colectivas una en Bulevard dels Antiquaris de Barcelona y la otra en Nauart también en Barcelona. Exponer es una manera de estar actualizado.
    Uno de mis proyectos ÁRBOLES DE LA MEMORIA lo tengo en el blog. Es un  diálogo, como se dice ahora, entre las obras que he ido creando, en diferentes épocas y que tienen como elemento común el árbol.
    Encuadre de un paisaje recordado, Jesús Cuenca.
    Encuadre de un paisaje recordado, Jesús Cuenca.
    Otro proyecto en el que trabajo son series de pinturas en lienzo y papel. Una de ellas ENLACES, otra PAISAJES PRIMORDIALES y otra el ÁRBOL DE LA CIENCIA,  cada una tiene su recorrido y sus encuentros de manera que me llevarán a la selección de un número de obras para una exposición individual.
    El punto de partida es dar un papel relevante a la intuición en el proceso, precisamente porque creo que vivimos en una sociedad tecnificada, donde la ciencia en vez de abrir puertas al conocimiento sirve a unas corporaciones sin alma que desconfían de las humanidades. La intuición es un saber poderoso y muchos de los adelantos científicos vienen precedidos por algún destello de lo intuitivo. La ciencia, contrariamente a lo que se cree, solo puede explicar el mundo en un pequeño porcentaje, así que debemos recuperar esos saberes ancestrales. Para las series me remonto y me inspiro en las formas simplificadas de los primeros tiempos de la creación, espirales y círculos que son las formas de las galaxias, de los planetas, de las copas de los árboles y de los primeros dibujos infantiles. Pretendo llegar a ese punto esencial de reivindicar la pintura y convertirla en algo explícito, donde el color y la materia nos sirve en un juego de combinaciones, para hacer vibrar algún punto de nuestra emoción.
    Podrías recomendarnos:
    Un artista: Rogier van der Weyden.
    Una obra: El jardín de la delicias, de el Bosco.
    Un libroRayuela, de Julio Cortázar.
    Una película: Gattaca.
    Muchas gracias.
    Te invitamos a visitar la galería de Jesús Cuenca en Artelista.
    Paisaje ingrávido y gentil, Jesús Cuenca.
    Paisaje ingrávido y gentil, Jesús Cuenca.

    Link:  EN MI TALLER ARTELISTA

    Entrevista a JESÚS CUENCA por MOISÈS FERNÁNDEZ.

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    Completo el post con unas fotografías de MI TALLER.














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    Josep Mª. Jujol i Gilbert nació en Tarragona en 1879 y murió en Barcelona en 1949. Fue en ésta última ciudad donde cursó  arquitectura acabándola en 1906.  Ya de estudiante trabajó en los estudios de los arquitectos Gallissà y Font i Gumà donde realizó decoraciones muy personales y  también colaboró con el genial arquitecto Gaudí  desde 1904. Fue una etapa marcada por amistad y por la impronta genial de Jujol en algunas de las obras de Gaudí, como en la  Casa Batlló, Park Güell, Catedral de Mallorca y en la Casa Milà.
    En 1906 cuando obtuvo el título de arquitecto, comenzó a coger encargos por su cuenta, e  inicio su primera obra en Tarragona, el Teatro Patronato Obrero (Metropol). A partir de 1913 trabajó en Sant Joan Despí, destacando la Torre de la Creu y Casa Negre.  En  Barcelona la Casa Planells y la Fuente de la plaza España.  En el "Camp de Tarragona" en Els Pallaresos, destaca la Casa Bofarull y la Casa Andreu.  En Guimerá y  Constantí destacaremos sus Parroquias.  En  Vistabella destacamos su iglesia de la que hablaremos a continuación, y en  Montferri el Santuario de Montserrat,  que dejó inconcluso terminándose 50 años después de su muerte.

    Vistabella es una pequeña población, agregada al municipio de La Secuita en la provincia de Tarragona. En 1918 los vecinos, se plantearon tener iglesia propia para no tener que ir a la vecina localidad. Los impulsores de este proyecto fueron el mosén Joan Llovet y el Sr Pere Mallafré que cedió un terreno, encomendándole a Jujol. El arquitecto obró en gran rapidez puesto que al día siguiente les presentó a modo de maqueta un trozo de madera cuadrado con unos alambres clavados. Cuenta el hijo de Jujol que los asistentes se quedaron sin palabras, y cuando le preguntaron que donde estaría el campanario, Jujol señalando un punto dentro de el alambre les dijo: "está aquí". 
    En vez de planos, un sencillo modelo tridimensional y un punto de partida para una gran obra. Jujol era un arquitecto que seguía la obra, o mejor dicho la vivía y colaboraba personalmente.
    Contaban con un moderado presupuesto y por tanto la elección de materiales modestos; modesto si se le puede llamar así a las piedras de los viñedos cercanos, que para Jujol eran por sí mismas  obras de arte. Las utilizaba tanto para los muros como para la decoración. En las aristas puso esas piedras únicas del "Camp de Tarragona". La madera, el hierro, el ladrillo son los otros materiales que Jujol supo colocar en esa iglesia que crecía.
    La entrada en ese cuadrado, está en una esquina,  formada por un pórtico que da acceso a cuatro puertas. Atravesamos el espacio en diagonal,  hasta llegar al altar mayor, siguiendo una orientación oriente-occidente, que es como están orientadas todas las catedrales según Fulcanelli. Si miramos hacia arriba vemos dos arcos parabólicos que se cruzan y definen el espacio central, soportando el peso de las bóveda sin necesidad de refuerzos, como necesitaban las catedrales. Gaudí consideraba que el estilo gótico era imperfecto, precisamente por necesitar contrafuertes y no saber transmitir las fuerzas directamente.
    Hay una serie de capillas adyacentes, decoradas.  Una tenue luz pasa a través de siete ventanales, con vitrales y alabastro.   Los vitrales  con rostro de ángeles,  están basados en dibujos que hizo Jujol sobre papel de periódico encolado. Una lámpara que cuelga de un arco se compone de materiales reciclados, de latas, cuerdas y maderas. Es una pieza realmente ingeniosa, como los candelabros que tienen en su base bolas de petanca. Estos materiales de desecho considerados no artísticos, en manos del artista se convierten en  estructuras dotadas de un espíritu poético.
    En este sentido se adelanta a lo que más tarde se conocería como Arte Povera.  Jujol es transgresor en contrapunto a la cultura tradicional. En vez de mármoles, piedras.  En vez de oro, pintura dorada. En vez de frescos en las paredes, imágenes que el mismo pintaba, reproduciendo los productos del campo,  como el trigo y la vid, y acompañados por pájaros de su imaginario.



    Iglesia del Sagrado Corazón en Vistabella. (1918-1923)

    Detalle de fachada y las piedras que adornan las aristas.

    Pórtico situado en una de las esquinas de la planta cuadrada de iglesia.

    Detalle de los materiales, ladrillo, piedra

    Interior

    Lámpara hecha con elementos reciclados.

    pinturas originales de Jujol.

    Uvas. Productos cercanos.

    La vid y un pájaro de Jujol.

    Candelabro con piezas recicladas.

    Interior del altar mayor restaurado por la hija de Jujol. Bóveda azul con estrellas.

    En la iglesia encontramos siete aberturas alargadas coronadas por arcos ojivales, que incluyen vitrales y el resto del hueco alabastro Dejando  pasar una luz tenue.
    Jujol hizo los dibujos de los ángeles sobre papel de periódico encolado.

    Cabeza de ángel de escayola en mal estado. En la Guerra Civil la iglesia sufrio numerosos desperfectos.

    Desde el palco.

    Hay once cruces templarias en el templo.

    Algo escondida la firma del arquitecto, junto con la epígrafe latina: Domine dilexi decorem domus tua.


    El edificio ha sido  declarado Bien Cultural de Interés Nacional, en la categoría de monumento histórico por la Generalitat de Catalunya.
    Para visitar esta iglesia, se debe concertar previamente la visita con el Sr. Francesc Fernández Fortuny, al número de teléfono 650 235 286.


    Para saber más sobre la iglesia de Vistabella y Jujol,  este link: Sobre el oficio y la técnica en la obra de Josep Maria Jujol. Autor Francisco Rodríguez Llansola.

    Església del Sagrat Cor de Vistabella.

    Comentario y fotografías JCuenca.

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